Viele indianische Künstler des 20. Jahrhunderts setzten sich mit den zeitgenössischen Kunstbewegungen ihrer Zeit auseinander und griffen dabei auf eine tiefe Tradition abstrakter Kunst zurück, die in den indianischen Gemeinschaften entstand.
Nach der Gründung des Institute for American Indian Artists in Santa Fe, New Mexico, im Jahr 1962 begannen die Künstler, sich dort zu versammeln. Die Lehrkräfte ermutigten die Schülerinnen und Schüler zum Experimentieren und fanden Wege, die seit langem bestehenden indianischen Kunstpraktiken mit zunehmend einflussreichen Bewegungen wie dem abstrakten Expressionismus zu verbinden.
Dutzende von Künstlern, die in vielen Disziplinen arbeiten, sind in “Action/Abstraction Redefined: Modern Native Art, 1940s-1970s“, der ersten Ausstellung des St. Louis Art Museum mit Werken moderner und zeitgenössischer indianischer Künstler. Sie läuft bis zum 3. September.
Der Kern der Ausstellung stammt aus dem Museum of Contemporary Native Arts der IAIA und war in den letzten Jahren in verschiedenen Museen zu sehen. Die Kuratoren des St. Louis Art Museum erweiterten die Ausstellung und verdoppelten die Anzahl der Exponate mit zusätzlichen Leihgaben und einer Auswahl aus der Museumssammlung.
Jeremy D. Goodwin vom St. Louis Public Radio sprach mit Alex Marr, dem stellvertretenden Kurator des Museums für indianische Kunst, über die Ausstellung und darüber, wie die Künstler in der Schau auf die Kunstbewegungen des 20. Jahrhunderts reagierten und gleichzeitig ihre eigene, einzigartige Stimme entwickelten.
Jeremy D. Goodwin: Zu Beginn der Ausstellung sehen wir eine Auswahl von Textilarbeiten von Lloyd Kiva New und seinen Schülern und Lehrlingen, die aus der AIAI und seiner vorangegangenen kommerziellen Werkstatt stammen. Warum ist New so wichtig für die Entwicklung der zeitgenössischen indianischen Künstler in der Mitte des 20. Jahrhunderts und danach?
Alex Marr: Was Kiva New so wichtig war, war die Entwicklung eines Lehransatzes, den er so beschrieb, dass er kulturelle Unterschiede als Grundlage für kreativen Ausdruck nutzte. In seinem Atelier, das sehr kooperativ war und eine Reihe von einheimischen Lehrlingen und Künstlern umfasste, die sich auf Dinge wie Silberarbeiten spezialisierten, die in seine Kleidung integriert werden sollten, lag der Schwerpunkt auf dem Studium vergangener Formen einheimischer Kunst – und darauf, die Designs nicht einfach zu kopieren, sondern die ästhetischen Systeme als Grundlage für künstlerische Innovation zu nutzen.
Diese Herangehensweise löste einen wahren Innovationsschub in verschiedenen Kontexten aus, in Scottsdale und dann natürlich bei der IAIA in Santa Fe, und öffnete die Tür zu dem, was wir jetzt gedeihen sehen, nämlich die Bewegung der zeitgenössischen indianischen bildenden Kunst.
Goodwin: Inwiefern zeigt “Action/Abstraction Redefined”, dass ein künstlerisches Gespräch zwischen Künstlern verschiedener Kulturen im Gange ist?
Marr: Indem sich diese Künstler mit den Diskursen und Stilen der Mainstream-Kunst auseinandersetzten, brachten sie die Geschichte der indigenen Abstraktion in die Diskurse und Stile ein. Manchmal denken wir, dass abstrakte Kunst ein Phänomen des 20. Jahrhunderts ist. Die meisten indigenen Künstler werden dir sagen, dass es eine sehr lange Geschichte der Abstraktion in der Kunst der nordamerikanischen Ureinwohner gibt.
Goodwin: Einer dieser Künstler ist Neil Parsons, ein Blackfoot-Künstler aus Montana, der ein früher Lehrer am AIAI war. Im Audioguide zur Ausstellung gibt es einen Ausschnitt, in dem er darüber spricht, wie seine Umgebung, in der er aufwuchs, seine Perspektive als Künstler beeinflusst hat.
“Ich habe mich immer horizontal inspirieren lassen. Und ich glaube, diese horizontale Inspiration kommt daher, dass ich in den Plains aufgewachsen bin”, sagt Parsons. “Die Plains sind horizontal. In der Kunst der Plains-Indianer hat es immer Abstraktion gegeben.”
Diese gestischen Pinselstriche verleihen dem ansonsten sehr flachen Gemälde eine gewisse Tiefe und ein Gefühl von Monumentalität auf der Leinwand, das Parsons eindeutig in der Architektur von Sante Fe, den Pueblo-Formen, gesehen hätte.
Diese Art von ortsbezogenem Verständnis von Abstraktion kam auf der IAIA in einen Dialog mit anderen Vorstellungen von Abstraktion aus dem gesamten indianischen Nordamerika.
Goodwin: Ein prominenter Künstler in der Ausstellung, der nicht mit der AIAI verbunden ist, ist die Cherokee-Malerin Kay WalkingStick, die drei Werke in der Ausstellung zeigt. Im Audioguide spricht sie über ihre Denkweise, als sie in den 1970er Jahren Kunst machte.
“1975 war ich auf der Suche nach einem Sinn”, sagt WalkingStick, “ich suchte nach einem Weg, meine Gedanken und Gefühle als Indianerin und als Frau in einer von Männern dominierten Kunstwelt zu verarbeiten. Außerdem suchte ich nach einer Art zu malen, die einzigartig für mich war und dennoch auf die zeitgenössische Kunstszene anspielte. Ich habe versucht, alles miteinander zu verbinden.
Marr: Das Werk, über das sie im Audioclip spricht, heißt “Personal Icon” und besteht aus einer mit Tinte gefärbten Leinwand mit einer gerasterten Enkaustik – oder pigmentierten Wachsschicht – darüber. Sie beginnt also, die Spannung zwischen dem Organischen auf der einen Seite – durch die mit Tinte gefärbte Leinwand, die auf natürliche Weise sehr visuell und schön ist – und der Enkaustik zu erkunden. Das war in New York, wo WalkingStick in den 1970er Jahren aktiv war, wegen ihrer Beziehung zu revolutionären Figuren wie Jasper Johns und Robert Rauschenberg ein sehr geladenes Material.
Sie nahm alle diese Quellen auf und dachte auch über ihre eigene Identität auf eine neue Weise nach.
Marr: Absolut, und für diejenigen, die es nicht wissen: Sandmalerei ist ein zeremonieller Brauch, bei dem Sandstücke auf den Boden geworfen werden. In der Ausstellung und vor allem im Audioguide sprechen einige Künstler über Pollock und seine Verbindung zur Diné-Sandmalerei.
Generell verdankt die westliche – europäische und amerikanische – abstrakte Moderne der Kunst der Ureinwohner auf der ganzen Welt eine ganze Menge. Und das ist etwas, das die Künstler in dieser Ausstellung anerkennen.
Goodwin: Ich finde es toll, dass es einen Moment in der Ausstellung gibt, in dem ein Künstler, Mike Medicine Horse Zillioux, auf Pollock mit einem Werk namens “The Day Jackson Pollock Became a Christian” antwortet. Auf den ersten Blick sieht es so aus, als hätte Zillioux eine Drip-Technik verwendet, aber er erklärt im Audioguide, dass er es sorgfältig von Hand gemalt und kleine “Schattenmenschen” in das Bild eingefügt hat – und eine Bibel aus Hirschleder, die er, wie er sagt, “für die amerikanischen Ureinwohner” eingefügt hat.
Marr: Sie nutzten die Kunst der Vergangenheit als Grundlage, um das Mögliche zu erweitern.
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